Quando Black Hammer fece la sua comparsa sugli scaffali dei comic shop nel 2016, fu evidente come il suo creatore Jeff Lemire stesse portando la fiaccola del decostruzionismo e della metatestualità nel fumetto di supereroi contemporaneo. Collocatosi sul solco di classici moderni come il Supreme di Alan Moore e Astro City di Kurt Busiek e Alex Ross, Black Hammer è un fumetto in cui il genere supereroistico riflette su se stesso e sui suoi meccanismi ben conosciuti dal suo autore che è un fan sfegatato del genere stesso. Ne abbiamo parlato più volte in passato, sottolineando come Black Hammer sia prima di tutto un omaggio commosso di Lemire alle sue letture d’infanzia, di cui si avvertono potenti gli echi in ogni vignetta.

Già la vicenda in sé, che racconta di un quintetto di eroi che, impegnati a sventare una crisi dimensionale causata dal malvagio Anti – Dio, scompaiono improvvisamente dalla metropoli Spiral City finendo per essere ritenuti morti, ricorda un evento chiave della storia del fumetto americano come Crisi sulle Terre Infinite. Se nella saga spartiacque della storia della DC Comics gli eroi della Golden Age sacrificatisi durante la battaglia finale contro l’Anti – Monitor sopravvivevano in una sorta di “dimensione tasca”, in Black Hammer gli eroi scomparsi riappaiono nella contea di Rockwood, in una provincia rurale dimenticata da Dio dove i supereroi non sono mai esistiti. L’ambiente campagnolo diventa così il limbo in cui gli eroi si ritrovano esiliati loro malgrado, costringendoli a svestire le calzamaglie per accettare una nuova esistenza agreste, lontana dalla gloria che fu, riservata solo a fulminanti flashback. Memorie di imprese epiche lontane nel tempo in cui il lettore può rintracciare echi delle proprie letture d’infanzia. In questo gioco di riferimenti sparsi, una caccia al tesoro metatestuale che costituisce la cifra stilistica che caratterizza l’opera, i lettori potranno facilmente riconoscere nei protagonisti l’omaggio di Lemire ad alcuni dei personaggi classici della DC Comics: se Abraham Slam si rifà tanto ad Atom e a Wildcat della Justice Society of America, Golden Gail richiama Shazam, Barbalien fa pensare al Martian Manhunter della Justice League, Il Colonnello Weird è un omaggio alle avventure sci-fi di Adam Strange mentre dietro Madame Dragonfly si cela la Madame Xanadu delle testate horror DC degli anni ’70.

Dopo aver deliziato il lettore con quattro volumi (e numerosi spin-off) pieni di omaggi e strizzate d’occhio al genere supereroistico, il passo successivo compiuto dall’autore è stato quello di ospitare tra le pagine della sua serie, che è un’analisi del genere stesso, i simboli per antonomasia del comicdom, ovvero Superman, Batman e i colleghi della Justice League. Una scommessa azzardata, quella di rendere scoperto il gioco di rimandi per iniziati che ha caratterizzato Black Hammer finora, contaminandolo con le icone reali del fumetto di supereroi, che si rivela però vincente grazie alla verve narrativa di Lemire. Dando per scontato che il lettore conosca i personaggi della sua fortunata opera, l’autore mette in scena un team-up insolito fra i suoi esuli e la Lega più celebre della storia del fumetto, partendo non da un classico incontro ma da uno scambio di ruolo: grazie all’intervento di un misterioso personaggio magico, che sembra poter passare da un universo all’altro senza problemi, i due supergruppi si ritrovano improvvisamente uno nell’habitat dell’altro. Così Abe e i suoi si ritrovano catapultati a Metropolis sostituendo la League durante una dura battaglia contro Starro; intanto, Batman, Superman, Wonder Woman, Cyborg e Flash prendono il loro posto nella quieta contea di Rockwood. Mentre gli esuli di Black Hammer vengono affrontati da Aquaman, Hawkgirl, Martian Manhunter e il resto della Justice League, che li crede responsabili della scomparsa dei loro amici, a Rockwood Bruce, Clark, Diana e gli altri vivono un’esistenza rurale nella loro fattoria dove trascorrono dieci anni, a causa di una bizzarra anomalia temporale. Ma forse le cose non stanno proprio così, e la rivelazione dell’identità del misterioso (ma non troppo) villain porterà la vicenda verso una risoluzione da classico team-up.

Black Hammer/Justice League: Il Martello della Giustizia è una deviazione godibile e fracassona dalla narrazione principale dell’epopea citazionista di Lemire, nata dall’ evidente desiderio dell’autore di far incontrare le sue creazioni con molti degli archetipi che li hanno ispirati, vedi i siparietti tra Barbalien e Martian Manhunter, l’incontro tra Madame Xanadu e Zatanna, o quello tra il Colonnello Weird e gli eroi spaziali per eccellenza dell’universo DC, il Corpo delle Lanterne Verdi. Il risultato è quello di un’opera meno centrata della serie principale dal punto di vista del rigore formale e del citazionismo, ma che rimane comunque all’insegna dell’intrattenimento di qualità e della forte cifra autoriale tipica dell’autore.

In assenza del disegnatore titolare di Black Hammer Dean Ormston, l’onere delle matite è affidato a Michael Walsh, autore di provenienza indie che, seppur dotato di un tratto più realistico di quello del collega, riesce a mantenere una continuità stilistica con l’opera principale all’insegna di uno storytelling semplice ma non privo di efficacia, all’insegna dell’anti – spettacolarità. Una scelta insolita per un crossover tra supereroi, che ne denuncia ulteriormente la vocazione autoriale.

Black Hammer/Justice League: Il Martello della Giustizia viene presentato da Panini Comics in un pregevole cartonato da libreria, corredato da preziosi extra tra cui le numerose copertine variant dell’edizione statunitense e i bozzetti di Walsh, che si segnala soprattutto per gli ottimi redazionali di Andrea Gagliardi, indispensabili per inquadrare l’opera nel contesto decostruzionista a cui appartiene e per il prezioso approfondimento critico.

L’apocalisse zombie è il filone narrativo che più di tutti, in questi primi venti anni del nuovo secolo, ha rappresentato un’efficace allegoria delle crisi sociali, economiche e politiche che hanno attraversato il nostro tempo. La progressiva perdita delle certezze acquisite nella seconda metà del Novecento ha fatto si che la metafora di un mondo dove le istituzioni crollano sotto la spinta di morti viventi, concepita per prima da George Romero nell’arco della sua filmografia, dilagasse nella fiction cinematografica, televisiva e fumettistica. È il caso di The Walking Dead, serie cult scritta da Robert Kirkman e pubblicata da Image Comics che ha generato una longeva serie tv di grandissimo successo. Nel 2005, durante un breve periodo di collaborazione con la Marvel, Kirkman portò nella Casa delle Idee la sua predilezione per le storie a tema zombesco. Nacque così Marvel Zombies, riuscitissima combinazione tra morti viventi e il mondo dei supereroi che ha generato numerosi sequel e spin-off nel corso degli anni. Kirkman accompagnò i lettori in un universo Marvel alternativo, segnato dalla piaga di un contagio che non aveva risparmiato i super-esseri, costringendo un manipolo di sopravvissuti ad una difficile lotta per la sopravvivenza.

L’altra big del fumetto statunitense, la DC Comics, non ha inseguito immediatamente la moda a tema zombie come la rivale, salvo poi gettarsi nella mischia, nel 2019, con la miniserie DCeased, scritta da Tom Taylor e disegnata da Trevor Hairsine. Il gioco di parole che da titolo all’opera è eloquente: il lanciatissimo Taylor, esploso in DC grazie alla saga Injustice, tratta dall’omonimo videogioco ambientato in alternativo futuro distopico, immagina una terra parallela abitata da versioni a prima vista abituali delle familiari icone DC, ma in realtà profondamente diverse. Nel primo volume della saga, Apocalisse Zombie, avevamo assistito al tentativo di Darkseid, finito tremendamente male, di ricomporre l’Equazione dell’Anti-Vita partendo dalla metà in suo possesso e dall’altra metà prelevata dal corpo di Cyborg, rapito e portato per l’occasione su Apokolips. La scoperta tardiva che l’equazione è corrotta e che si tratta di un virus tecno-organico prende di sorpresa Darkseid, che pur rispedendo immediatamente Cyborg sulla Terra, provoca la distruzione di Apokolips e la sua stessa fine.
Sulla Terra la situazione degenera immediatamente: dai sistemi di Cyborg il virus si propaga subito online, sfruttando internet, e dai dispositivi compromessi attacca le persone, trasformandole in zombie. Cadono, tra gli altri, icone della comunità supereroistica come Superman, Batman e Wonder Woman, rimpiazzati dai loro eredi, ma anche Lanterna Verde, Flash e Aquaman.

Nel terzo volume della saga, Pianeta Morto, da poco uscito per Panini Comics, il drappello di eroi superstiti, che hanno evacuato la Terra portando i sopravvissuti al sicuro, ricevono un messaggio da Cyborg, i cui resti cibernetici giacciono ancora sul pianeta abbandonato. È un messaggio importante, che potrebbe contenere la chiave per una cura per tutta l’umanità. La Justice League dovrà decidere se rischiare il tutto per tutto tornando sul pianeta ormai devastato, e la decisione porterà a nuovi ed inevitabili sacrifici. Ma la Terra non è rimasta del tutto indifesa grazie all’impegno di John Costantine e dello Shadowpact, gruppo di esseri dotati di poteri magici. E proprio Costantine si prenderà la luce dei riflettori, con una decisione che avrà un forte impatto sull’esito finale della vicenda.

Dceased: Pianeta Morto porta a compimento le trame iniziate da Tom Taylor nei due volumi precedenti e ne costituisce il climax. Anche se la lettura dei due precedenti capitoli è consigliata, la miniserie non mancherà di appassionare anche i lettori appena arrivati, grazie alla scaltrezza narrativa di Taylor che, dopo una breve sintesi delle puntate precedenti, getta subito il lettore in una sarabanda di azione e suspense da togliere il fiato. Il fatto di giocare con versioni alternative delle più celebri icone del DC Universe dà allo sceneggiatore la possibilità di tratteggiarne caratterizzazioni segnate da lutti e da esperienze estreme, che le rendono simili ma diverse dalle controparti originali. Il copione è quello tipico delle opere apocalittiche di questo genere e della struttura restaurativa in tre atti (dopo la presentazione dei personaggi e la fase dello scontro e lotta, avvenuti nei volumi precedenti qui ci troviamo davanti alla risoluzione della crisi). Si tratta però di un piano eseguito brillantemente e non pedissequamente da Taylor, che colpisce duro sul piano emotivo causando shock a ripetizione al lettore.

Dal punto di vista grafico è piacevole ritrovare Trevor Hairsine, artista britannico autore del primo volume e artista emergente dei primi anni 2000, quando si guadagnò un posto tra gli “Young Guns”, gli astri nascenti di casa Marvel. Hairsine è ricordato soprattutto per l’ottimo lavoro svolto sulla linea “Ultimate” della Marvel in quegli anni, che sembrava il preludio ad una carriera di altissimo livello. Non tutte le promesse sono state mantenute, ma in Dceased: Pianeta Morto il lavoro svolto è di notevole profilo. Il suo stile dinamico e dettagliato, capace di realizzare tavole spettacolari, è il perfetto compendio alla sceneggiatura mozzafiato imbastita da Taylor.
Dceased: Pianeta Morto viene presentato da Panini Comics con la consueta cura tipica della sua linea di cartonati da libreria, un volume consigliato per chi ama le letture cariche di suspense e l’intrattenimento di qualità.

Nella sterminata produzione realizzata dagli autori Marvel nell’arco dei sessant’anni di vita dell’editore, non sono mancati i casi di cicli di storie in cui si è generata una simbiosi totale tra scrittore e la collana da lui curata. Un’identificazione completa tra autore e personaggi tale da poter affermare che quelle che i lettori leggevano sulla carta non erano solo storie, ma veri e propri pezzi di vita trasfigurate in saghe a fumetti. Il pensiero corre a subito a Chris Claremont e ai “suoi” X-Men, trasformati dallo scrittore in caso editoriale nel corso di un ciclo durato 16 anni in cui Claremont ha riverberato aspetti della sua personalità in tutti i personaggi della collana, rendendoli tridimensionali come mai accaduto prima. Se c’è un ciclo Marvel capace di rivaleggiare con i mutanti di Claremont per identificazione tra scrittore e personaggio e per la sua lunga durata, quello è senza dubbio l’Hulk di Peter David.

Quando lo scrittore iniziò la sua run, col numero 331 del 1987, la testata languiva nei bassifondi delle classifiche e attraversava un periodo difficile dal punto di vista qualitativo. La superstar John Byrne aveva tentato di rivitalizzarla, con un ciclo di sei numeri poi interrotto per trasferirsi alla DC Comics per rilanciare Superman. Il suo successore, lo stimato membro della redazione Marvel ma fumettista dalle scarse capacità Al Milgrom, assumendosi l’onere di traghettare la testata verso una nuova gestione aveva comunque introdotto una novità importante, il ritorno dell’Hulk grigio delle origini, cominciando a giocare con le crisi di identità di Bruce Banner. Ma fu con la gestione David che l’aspetto psicanalitico prese il sopravvento, trasformando il suo ciclo in una lunga seduta di terapia dedicata al povero Banner. Lo scrittore pose l’accento sui conflitti interiori che dilaniavano il personaggio, derivanti dagli abusi subiti dal padre durante l’infanzia. Le mutazioni del personaggio, da verde a grigio, da ottuso ad intelligente, erano il riflesso dei suoi stati d’animo. David prese il concetto della personalità multipla, rapidamente toccato dai suoi predecessori, e ne fece l’architrave della sua gestione.

Il momento più felice della gestione di David, che terminò col numero 467 del 1998, fu probabilmente il periodo in cui collaborò con Dale Keown, artista che combinava la potenza del tratto di John Byrne con le linee morbide e seducenti di Alan Davis. È di questa fase del suo ciclo il celeberrimo episodio La psicanalisi di Hulk, in cui lo psicologo Leonard Samson convinse la tre personalità dominanti (Banner, l’Hulk grigio e cinico e quello verde e rabbioso) a collaborare e a fondersi in una entità unica. Ne emerse la personalità nota come Il Professore, un body builder dalla pelle verde  che conservava, moderandola, la sagacia di Joe Fixit, la versione grigia, unendola all’acume scientifico di Bruce Banner. Fu in questo periodo che videro la luce alcune delle storie più ispirate di David, visualizzate in modo elegante da Keown, che cementarono la reputazione della collana come una delle migliori di quei primi anni ’90.

Il successo della testata principale consentì la pubblicazione di speciali fuori serie ad essa collegati, la più celebre dei quali fu senza dubbio la miniserie Hulk: Futuro Imperfetto scritta da David e disegnata dal maestro George Pérez. In questa saga iconica in due capitoli, Hulk nella versione “Professore” viene trasportato in un futuro distopico da un gruppo di ribelli che chiede il suo aiuto nella guerra contro il tiranno chiamato Maestro. Con suo grande sconcerto, Banner scopre presto l’identità del despota: trattasi di una sua versione futura, unico sopravvissuto dell’Età degli Eroi, che governa il suo regno con pugno di ferro, soggiogando la popolazione e lasciando pieno sfogo al suo lato oscuro. Solo il suo vecchio amico Rick Jones, ormai anziano e messosi alla testa di una banda di rivoluzionari contro il regime del Maestro, cerca di contrastarlo. Fronteggiando la sua nemesi, Banner affronta quel lato di se che aveva sempre cercato di nascondere, la sua metà oscura e maligna. Pur uscendo vincitore dal confronto, l’incontro col Maestro non lascerà del tutto indenne il Golia Verde, provocando un turbamento interiore che avrebbe avuto importanti ramificazioni negli anni a venire. Ma una domanda era sempre rimasta inevasa: come era avvenuta la trasformazione di Banner nel despota del futuro? Qual’era stato il sentiero oscuro che lo aveva portato a questa trasformazione? Le risposte, mai finora fornite da David ma soltanto suggerite, vengono finalmente svelate in Maestro: Sinfonia in Chiave Gamma, volume che ospita il primo ciclo della nuova serie dedicata al tiranno verde.

Peter David torna a scrivere le vicende del tiranno verde, coadiuvato dal vecchio sodale Dale Keown e dal nuovo arrivato German Peralta. Troviamo così un Hulk che si risveglia nel futuro dopo un disastro nucleare che ha decimato la popolazione mondiale, frutto della natura autodistruttiva dell’umanità. Vagando attraverso lande desolate, il Gigante di Giada riflette su quanto siano stati inutili gli anni spesi, con gli altri eroi, a difendere il genere umano da se stesso. Riflessioni amare che condivide con Rick Jones, il suo vecchio amico ormai anziano e disabile che guida la resistenza contro il Maestro, il despota che ha preso il potere a New York City, ora ribattezzata Dystopia. Hulk andrà a cercarlo per affrontarlo e batterlo, ma non per liberare la popolazione soggiogata, quanto per reclamarne il titolo e sostituirsi a lui. D’altronde, e questo sarà il motivo del contrasto che lo porterà ad allontanarsi da Rick, a Banner non interessa più il destino della gente comune, che ritiene responsabile della fine del mondo.

Il ritorno di Peter David al personaggio che ne ha segnato la carriera è un fumetto di fantascienza distopica che dedica più spazio all’azione che all’introspezione psicologica che è il tratto tipico dello scrittore. La conversione di Hulk da eroe a despota privo di empatia è troppo frettolosa, e non pienamente giustificata da monologhi interiori e dagli scambi di battute con Rick Jones che ne preannunciano la svolta caratteriale. Preso invece come una sorta di “Mad Max” supereroistico, Maestro ha una sua ragione d’essere, anche per lo spettacolare comparto artistico che accompagna i testi di David. German Peralta fa parte della nidiata dei giovani artisti che si stanno facendo largo in Marvel negli ultimi anni, e si era già fatto notare con ottimi cicli di Thanos e Cable. In Maestro sforna tavole spettacolari e dettagliate, ricche d’azione, che i colori densi di Jesus Aburtov esaltano creando un effetto d’insieme che ricorda molto le bd francesi. Dale Keown si incarica invece di aprire il volume, illustrando il prologo e le back-up stories dei capitoli successivi. Il suo stile è ora più massiccio rispetto alla sua celebre run su Incredible Hulk, anche per l’adesione allo stile Image della seconda metà degli anni ’90 che sembra essere rimasto un suo tratto distintivo, e al suo dedicarsi ormai soprattutto a pin-up e cover, fattore che ne ha frenato le capacità di storyteller in anni recenti. Resta intatta comunque la sua capacità di confezionare tavole spettacolari e d’impatto, che attrarranno sicuramente i vecchi lettori e appare bizzarra la scelta della Panini di non indicare il suo nome in copertina accanto a quello degli altri autori.

Maestro: Sinfonia in Chiave Gamma è un volume suggerito soprattutto per i vecchi fan di Peter David e del suo Gigante di Giada, anche se bisognerà attendere una seconda uscita per leggere la conclusione delle vicende del verde despota del futuro.

Tra la fine degli anni ’80 e l’inizio dei ’90 si fa largo sulla scena a fumetti statunitense una nuova generazione di disegnatori che, facendosi alfieri di un rinnovamento estetico del genere supereroistico, diventano ben presto più popolari dei personaggi sui quali lavorano. Todd McFarlane su Amazing Spider-Man, Jim Lee su Uncanny X-Men e Rob Liefeld su New Mutants propongono, seppur con differenti sensibilità artistiche, un approccio grafico dirompente, traboccante d’energia. Una scarica di adrenalina che dalla matita di questi artisti si sprigiona su carta infrangendo la tradizionale organizzazione della tavola in vignette, che strabordano d’azione entusiasmando i lettori grazie alle anatomie ipertrofiche e seducenti di eroi ed eroine. Il trio di disegnatori diventa immensamente popolare declinando l’immaginario supereroistico secondo i canoni steroidati e tamarri dell’epoca. Sono gli anni in cui si consolida il successo cinematografico di “action heroes” come Sylvester Stallone e Arnold Schwarzenegger che hanno cavalcato l’edonismo reaganiano degli ’80 e si candidano a dominare anche il decennio successivo, mentre il cantore del sogno americano, Bruce Springsteen, si trova da solo a difendere la purezza del rock dall’assalto di gruppi di capelloni cotonati.

La moda propone abbinamenti oggi irricevibili, tra giacche con spalline e tute acetate dai colori sgargianti. In pochi anni, il piccolo schermo sarà invaso da telefilm che celebrano il culto della forma fisica come Baywatch. Perché accontentarsi della normalità quando può essere dopata, esagerata? In questo senso Lee, Liefeld e McFarlane incarnano fumettisticamente lo zeitgeist del tempo. La Marvel, che vede nella popolarità dei tre la proverbiale gallina dalle uova d’oro, gli affida tre testate nuove di zecca che saranno i maggiori successi del decennio per l’editore: rispettivamente Spider-Man, X-Force e X-Men. McFarlane propone una versione estremizzata dell’Uomo Ragno di Steve Ditko che diventa subito canonica, ritraendolo in pose impossibili che lo avvicinano ad un vero aracnide, allargando a dismisura le lenti della sua maschera e riprendendo la ragnatela spaghetti già introdotta in precedenza da Micheal Golden, trasformandolo però in un  suo marchio di fabbrica. Ma sono soprattutto Lee e Liefeld sulle serie mutanti ad interpretare su carta il gusto tamarro dell’epoca. Liefeld trasforma i giovani mutanti in un agguerrito gruppo paramilitare, introducendo personaggi armati fino ai denti come Cable e Deadpool. Fucili dalle dimensioni improbabili, cinturoni, pose aggressive e tasche sono il marchio distintivo del giovane artista. Diverso è l’approccio con cui Jim Lee declina gli anni novanta sulle pagine di X-Men. Il disegnatore coreano disegna eroi ed eroine dalla bellezza impossibile, trasformando il numero uno della nuova serie dedicata ai pupilli di Xavier nell’albo più venduto della storia del fumetto a stelle strisce. Poi, sul più bello, Lee e Liefeld si imbarcano con McFarlane nell’avventura della fondazione della Image Comics lasciando la Marvel all’apice del loro successo, come abbiamo raccontato in uno speciale di qualche anno fa.

Il rinnovamento estetico, oggi discutibile ma all’epoca di enorme successo, che grazie all’apporto di Jim Lee, Rob Liefeld e dei loro immediati successori rese le testate mutanti le più vendute della loro epoca, toccò solo marginalmente testate classiche Marvel come Avengers, Captain America, Thor, Iron Man e Fantastic Four. Sembra incredibile da raccontare oggi, negli anni del grande successo del Marvel Cinematic Universe, ma nei primi anni ’90 i titoli più venduti del mercato erano quelli legati agli X-Men e ai loro spin-off (e lo sarebbero stati per tutto il decennio e oltre) mentre gli eroi classici languivano in fondo alla classifica. Le serie legate al mondo dei Vendicatori e dei Fantastici Quattro sembravano fuori sincrono rispetto ai gusti dei lettori degli anni ‘90, come se provenissero da un’altra epoca. Si andava dal classicismo demodé dei Fantastic Four di Tom DeFalco e Paul Ryan alla scimmiottatura dello stile Image, più tamarra dell’originale, che andava in scena negli Avengers di Bob Harras, Terry Kavanagh e di un giovane Mike Deodato Jr.

Gli ultimi successi della linea risalivano, tra la fine del decennio precedente e l’inizio di quello nuovo, al ciclo di Avengers West Coast di John Byrne e alla Saga di Proctor contenuta negli Avengers dello stesso Harras e di Steve Epting. Nonostante il buon riscontro, soprattutto di critica, del Captain America di Mark Waid e Ron Garney, nel 1996 la Marvel decise di rilanciare i suoi eroi classici con una mossa eclatante. Con una scelta senza precedenti, che lasciò di stucco lettori e addetti ai lavori, nella primavera del 1996 la Case delle Idee annunciò il clamoroso ritorno di Jim Lee e Rob Liefeld, convocati al capezzale di serie classiche che, nel marasma dello scoppio della bolla speculativa che stava travolgendo il settore e della bancarotta dichiarata dalla Marvel, rischiavano la cancellazione. I Wildstorm Studios di Lee avrebbero realizzato Fantastic Four e Iron Man, mentre gli Extreme Studios di Liefeld avrebbero rivolto le loro attenzioni a Avengers e Captain America. Per la prima volta nella sua storia, la Marvel rinunciava a produrre alcune delle sue collane più tradizionali, appaltandole di fatto a studi esterni che si incaricavano di portarle negli anni ’90 grazie al collaudato “stile Image”. L’evento editoriale che segnò questo nuovo corso passò alla storia come Heroes Reborn, in Italia La Rinascita degli Eroi.

Il presupposto narrativo necessario alla svolta di Heroes Reborn venne fornito da Onslaught, il cross-over Marvel dell’estate ’96 sviluppatosi principalmente sulle testate degli X-Men, le più vendute dell’epoca. Il villain che dava il nome alla vicenda era un parto involontario dei poteri psichici di Charles Xavier, la cui mente aveva assorbito la personalità di Magneto, generando un mostro che minacciava di distruggere l’intero universo Marvel. Dopo aver affrontato praticamente tutti gli eroi della casa editrice, Onslaught venne fermato grazie all’intervento combinato di X-Men, Vendicatori e Fantastici Quattro, con gli ultimi due gruppi che sacrificarono la propria vita per sconfiggere definitivamente la malvagia entità. In realtà gli eroi non erano morti: Franklin Richards, il potente mutante figlio di Reed e Sue Richards, aveva creato una dimensione – tasca, un universo alternativo in cui trascinarli un attimo prima della loro morte. Così, mentre il resto dell’universo Marvel piangeva la loro scomparsa e ne onorava il sacrificio, Vendicatori e Fantastici Quattro rinascevano in un’altra terra, simile a quella da cui provenivano ma diversa. Gli eroi rivivevano dal principio le loro esistenze, ignari del proprio passato, fattore che costituiva un’occasione irripetibile per snellire i personaggi da trent’anni abbondanti di continuity e renderli appetibili ad eventuali nuovi lettori. Nel settembre del 1996 vennero lanciate quattro testate sotto il banner Heroes Reborn:

-   Fantastic Four di Brandon Choi, Jim Lee e Scott Williams;
-   Iron Man di Scott Lobdell, Jim Lee, Whilce Portacio e Scott Williams;
-   Captain America di Rob Liefeld e Jeph Loeb;
-   Avengers di Rob Liefeld, Jim Valentino e Chap Yaep.

Così i personaggi Marvel più classici si vestivano graficamente a festa per l’appuntamento con gli anni ’90, per gentile concessione dei due artisti simbolo del decennio. Nei primi sei numeri di Fantastic Four Jim Lee narrava nuovamente le origini del quartetto, aiutato dal vecchio amico Brandon Choi ai testi, regalando ai lettori non solo la sua versione di Reed, Sue, Ben e Johnny, ma anche di personaggi come il Dottor Destino, Namor il Sub-Mariner, Galactus, Silver Surfer e Black Panther. La nascita dei Fantastici Quattro veniva svecchiata, eliminando per la prima volta l’elemento vintage della corsa allo spazio a favore di una missione tra le stelle sotto l’egida dello S.H.I.E.L.D., impresa finita ovviamente male. Nel primo arco narrativo, l’artista coreano deliziò i lettori con la sua interpretazione esplosiva e sontuosa di caposaldi del cosmo Marvel, omaggiando il lavoro di Stan Lee e Jack Kirby.

Anche in Iron Man gli autori si preoccuparono di aggiornare le origini di un personaggio che, in questo caso, affondavano negli interventi bellici americani in Corea e Vietnam degli anni ’60. L’armatura è sempre frutto del genio di Tony Stark, ma il contesto è completamente cambiato. Tony è il leader di un gruppo di scienziati geniali, amici fin dai tempi dell’università, che si fanno chiamare i “Cavalieri Atomici della Tavola Rotonda”: oltre a Stark, ne fanno parte Bruce Banner, Reed Richards, Victor Von Doom, Hank Pym e Rebel O’Reilly, l’unico del consorzio di super-geni ad essere nativo di questo nuovo mondo. Quando Tony testa la sua “Armatura Prometeo” con Rebel alla guida, provocandone involontariamente la morte, i Cavalieri si dividono e ognuno prende la sua strada. Stark sarà costretto ad indossarla personalmente per fronteggiare Hulk, cioè un Banner trasformato dai raggi gamma assorbiti a causa di un suo coinvolgimento con l’Hydra. Di tutte le serie de La rinascita degli Eroi, Iron Man è probabilmente la migliore, vuoi per le trame imbastite da Jim Lee e Scott Lobdell, all’epoca demiurgo delle collane mutanti, vuoi perché fu quella più innovativa, grazie alla caratterizzazione di un Tony Stark che cominciava ad avvicinarsi a quella del nuovo millennio e per il primo, significativo upgrade tecnologico dell’armatura, realizzato da un Whilce Portacio in stato di grazia.

Tra le quattro testate del progetto, Captain America era l’unica che aveva trovato una stabilità creativa prima di Heroes Reborn, grazie all’acclamato ciclo di Waid & Garney. L’annuncio dell’arrivo di Rob Liefeld al timone della collana ebbe reazioni contrastanti, come spesso accade con i progetti firmati da uno degli autori più divisivi della storia del fumetto. E in fatto di polemiche, Liefeld non è secondo a nessuno. Quando apparve questa immagine promozionale, tra i fan si scatenò un putiferio.

Se pensiamo che 25 anni dopo ancora si parla di questo Capitan America evidentemente sproporzionato, si capisce come l’autore abbia centrato il suo obiettivo di provocare, di assimilare un personaggio iconico ben cementato nell’immaginario collettivo alla sua visione estrema ed esagerata del fumetto, dove l’arte confina col cattivo gusto. Una provocazione che sul web ancora gli costa la sua buona dose di insulti, rivoltigli da schiere di detrattori che sembrano ignorare che tutti giochiamo un ruolo nel grande schema della vita, così come Liefeld ne ha giocato uno nella storia del fumetto americano, seppur controverso.

Il Captain America di Rob Liefeld è una dichiarazione d’amore al personaggio, uno sforzo generoso attraversato dai noti limiti artistici dell’autore. Ciò nonostante, tra esagerazioni anatomiche e pose tamarre (e l’aquila americana graficamente vicina al logo dei Van Halen a sostituire la canonica “A” sulla fronte), contiene alcune idee molto interessanti. Innanzitutto, Capitan America non viene rinvenuto ibernato nei ghiacci come da tradizione, ma vive in un sobborgo di periferia, dimentico del suo passato come sentinella della libertà, lavorando come operaio e padre di famiglia. Ma si tratta di una bugia, simile a quella vissuta da Arnold Schwarzenegger nel Total Recall di Paul Verhoeven. Alla fine della Seconda Guerra Mondiale, Steve Rogers aveva criticato il lancio delle bombe atomiche su Hiroshima e Nagasaki, contestando violentemente il presidente Truman. Questo gesto gli era costato un riposo forzato, con la cancellazione dei suoi ricordi e l’inizio di una falsa vita. Tornerà in se appena in tempo per affrontare la minaccia di una cellula nazista che si sta facendo breccia tra i giovani americani di fine millennio, dietro la quale si nascondono vecchie minacce come il Barone Zemo, Master Man e il Teschio Rosso.
Se all’epoca della pubblicazione di questo ciclo, l’idea dell’autore di una partito nazista che fa proselitismo in America poteva sembrare anacronistica, col senno di poi sembra un anticipazione di quel suprematismo bianco che oggi ben conosciamo dopo i fatti di Capitol Hill.

Liefeld infuse lo stesso entusiasmo anche ad Avengers, l’altra testata gestita dai suoi Extreme Studios in cui si trovò a collaborare con Jim Valentino e successivamente Jeph Loeb ai testi, dividendo l’incombenza delle matite con un suo allievo scarsamente dotato, Chap Yaep, e con un giovane star di quegli anni, Ian Churchill. Il roster del gruppo comprendeva pezzi da novanta come Capitan America, Thor, Iron Man, Scarlet Witch, Visione, Occhio di Falco, reinterpretati con il gusto tamarro degli Extreme Studios, e seconde linee reinventate da Liefeld come lo Spadaccino e Hellcat. Quest’ultima era una sintesi tra le due incarnazioni della continuity classica, Patsy Walker e Greer Nelson, Tigra, che qui confluivano in un’eroina felina che ricordava un’altra creatura di Liefeld, la Feral di X-Force. Il tono era quello di un fumetto di supereroi fracassone e scanzonato, attraversato dalle splash-page muscolari di un Liefeld scatenato. La trama ruotava intorno agli intrighi di Loki, che sembrava ricordare la continuity pre-Onslaught. Liefeld introdusse novità interessanti che sarebbero state riprese successivamente in altri ambiti, diventando canone: gli Avengers non sono più un gruppo di eroi che si riunisce casualmente durante la loro prima missione, bensì una squadra di super-agenti governativi agli ordini dello S.H.I.E.L.D., 16 anni prima che la stessa dinamica venga raccontata sul grande schermo.

Heroes Reborn fu inizialmente un enorme successo e capitalizzò l’attenzione dei lettori e della stampa specializzata, occupando per mesi le pagine di Wizard, la rivista più importante del settore, e le news di un Internet che cominciava a muovere i primi passi. Dopo sei mesi, però, la Marvel tolse Captain America e Avengers dalle cure degli Extreme Studios di Rob Liefeld, adducendo come motivazione un calo delle vendite, affidandole ai Wildstorm Studios di Jim Lee che acquisivano così l’esclusiva del progetto. La mossa della Casa delle Idee coincideva con l’inizio di un periodo sfortunato per Liefeld, culminato con la cacciata dalla Image da parte degli altri soci fondatori. L’artista, in modo disinvolto, aveva usato infatti risorse aziendali per finanziare alcuni progetti personali come l’etichetta Maximum Press, e aveva tentato di mettere sotto contratto di esclusiva un giovane Micheal Turner, fulgido talento della matita scomparso precocemente, scatenando le ire del suo scopritore, Marc Silvestri. Ma il declino delle fortune di Rob Liefeld coincideva anche con la fine del decennio che lo aveva visto protagonista e della sbornia tamarra di cui era stato alfiere. Le testate prodotte dai suoi Extreme Studios segnavano il passo e rivelavano tutta la loro inconsistenza. Dietro alle anatomie ipertrofiche, alle pose tamarre, alle armi da fuoco dalle dimensioni improbabili mancavano completamente le sceneggiature e, forse, il vero talento.

La Rinascita degli Eroi proseguì per altri sei mesi sotto la supervisione del solo Jim Lee. Dopo la cacciata di Liefeld, però, qualcosa si era rotto ed era possibile respirare una disaffezione dello stesso Lee, che lasciò le matite di Fantastic Four all’allievo Brett Booth, nei confronti di un progetto che stava mutando pelle in corsa. James Robinson e Joe Bennett su Captain America e Walter Simonson e Micheal Ryan su Avengers furono i team creativi scelti per sostituire Liefeld e i suoi sodali: due squadre di artisti solide e dal gusto classico, che contraddicevano però i presupposti iniziali del progetto. Quando anche su Fantastic Four e Iron Man cominciarono a fare capolino veterani da anni in seno alla Marvel come Ron Lim e semplici mestieranti come Terry Shoemaker, fu chiaro che l’esperienza di Heroes Reborn stava volgendo al termine. La Marvel, in realtà, propose a Jim Lee di estendere il contratto di un ulteriore anno, a patto che disegnasse almeno una testata del lotto. Ma l’artista, sempre più lontano dal tavolo da disegno e sempre più uomo d’affari, rifiutò. Fiutando la fine di un’epoca, quella del grande successo commerciale dello stile Image, da lì ad un paio d’anni avrebbe venduto i suoi Wildstorm Studios alla DC Comics, iniziando una scalata all’interno dell’azienda di cui oggi è uno dei massimi dirigenti.

Heroes Reborn terminò così la sua corsa nell’autunno del 1997, non prima di un crossover con i personaggi della Wildstorm di Lee. Dopodiché, nella miniserie Heroes Reborn: The Return, Avengers e Fantastici Quattro presero finalmente coscienza della natura fittizia del mondo creato per la loro da Franklin Richards, e grazie ad una missione di salvataggio orchestrata dal Dr. Strange e da altri eroi riuscirono a fare ritorno a casa e a riprendere il loro posto come protettori dell’Universo Marvel classico. La Casa delle Idee decise di rilanciare nuovamente questi “figliol prodighi”, stavolta con un evento “fatto in casa” che avrebbe coinvolto alcuni tra i più apprezzati creativi dell’editore. Heroes Return (Il Ritorno degli Eroi) venne lanciato nel gennaio del 1998, superando per vendite ed apprezzamento dei lettori Heroes Reborn. Le quattro testate ripartirono nuovamente dal numero 1, riprendendo in alcuni casi il filo che si era interrotto proprio con La Rinascita degli Eroi. Mark Waid e Ron Garney tornarono su Captain America per riprendere e completare il loro amatissimo ciclo, mentre Kurt Busiek e George Pérez lanciarono Avengers verso vette di grandezza che la testata non conosceva da molto tempo, creando un classico moderno. Fantastic Four venne affidata, invece a Scott Lodbell e a Alan Davis, sostituiti dopo pochi albi da Chris Claremont e Salvador Larroca mentre Kurt Busiek e Sean Chean si occuparono di Iron Man.

La parentesi Heroes Reborn era stata comunque utile: la Marvel aveva compreso che le icone più classiche del proprio parco testate, se affidate agli autori giusti, potevano essere proposte con successo ai lettori del nuovo millennio. Gli anni ’90 si avviavano al tramonto: superato l’innamoramento per la trasgressione grafica, vitale ma rozza, rappresentata dalla Image, un nuovo classicismo cominciò ad imporsi. Gli Avengers iniziarono ad insidiare gli X-Men nella classifiche di vendita e nel decennio successivo li avrebbero superati, con un crescendo che li avrebbe portati direttamente sul grande schermo, protagonisti di uno dei più grandi incassi della storia del cinema. Nonostante tutte le controversie che a distanza di 25 anni ancora circondano il progetto gestito da Jim Lee e Rob Liefeld, la scalata al successo di Capitan America e soci che si concretizzerà nel nuovo millennio comincia proprio qui. Personaggi che da anni avevano perso il loro posto al sole ricevettero nuova linfa vitale, e rientrarono con prepotenza tra le preferenze dei lettori. Con l’esclusione di Crisis, che partiva da presupposti diversi, è lecito dire che Heroes Reborn fu il primo, grande rilancio a fumetti dell’era moderna, inaugurando una prassi di cui si sarebbe abusato nei decenni a venire (il fallimentare New 52 della DC ne è un esempio). Per la prima volta la Marvel faceva tabula rasa della storia pregressa dei suoi personaggi, eliminando più di 30 anni di continuity per attrarre nuovi lettori. La mossa ebbe però l’effetto di indispettire i fan abituali, che hanno sempre visto nella continuty un valore aggiunto e non un problema. La Marvel imparò dai propri sbagli e aggiustò il tiro, quando negli anni 2000 tentò un nuovo rilancio dei suoi personaggi in chiave moderna: l’Ultimate Universe. Stavolta, però, non commise l’errore di sottrarre personaggi chiave al suo universo principale, ma ne creò uno nuovo di zecca, con versioni moderne dei suoi eroi. In questo modo, il lettore poteva scegliere tra il Marvel Universe classico o le iterazioni rinnovate dei suoi personaggi contenute nell’universo Ultimate. Quest’ultimo costituì di fatto la base per il Marvel Cinematic Universe, che prese a prestito da questa linea idee e concetti fondamentali. Ma nulla di tutto questo sarebbe potuto succedere senza l’esperimento Heroes Reborn. E le conseguenze di questo progetto non si fermarono qui.

Nel 1998 la Marvel scelse di effettuare un secondo tentativo di outsourcing, simile a quanto aveva fatto due anni prima con La Rinascita degli Eroi. La scommessa fu quella di appaltare quattro testate, stavolta di minore importanza, alla Event Comics di Joe Quesada e Jimmy Palmiotti, rispettivamente disegnatore e inchiostratore in forte ascesa. Il riscontro ottenuto da Daredevil, testata su cui esplose il talento grafico con cui Quesada visualizzava gli script del regista Kevin Smith, fu clamoroso, tanto da far guadagnare all’artista il ruolo di redattore capo della Casa delle Idee. La gestione Quesada, ricca di innovazioni, avrebbe traghettato la Marvel nel nuovo millennio facendole vivere una nuova età dell’oro.

Associare Heroes Reborn al peggio degli anni ’90, come le Spice Girls e i Backstreet Boys, non rende giustizia ad un progetto che, nonostante gli errori commessi, era in anticipo sui tempi. Il coinvolgimento di un autore controverso come Rob Liefeld non aiuta a darne un giudizio sereno: il suo stile è troppo legato a quell’epoca, mentre le pagine disegnate da Jim Lee e Whilce Portacio si sfogliano ancora con grande piacere. Ma pur con tutti i suoi difetti, il concetto alla base de La Rinascita degli Eroi era rivoluzionario. Le innovazioni che introdusse popolano ancora le pagine dei fumetti e dei film Marvel, e sono diventate canone. Basti pensare alla già menzionata supervisione dello S.H.I.E.L.D. sulle vite degli eroi, alla natura pressoché onnipotente dei poteri di Franklin Richards, capace di creare nuovi universi, che verrà poi ripresa da Jonathan Hickman nelle sue Secret Wars, o a quelli di Scarlet Witch, legati più alla dimensione magica che a quella mutante... e si potrebbe proseguire con altri esempi. In ogni caso, si trattò di un investimento creativo e mediatico importante da parte della Marvel sui personaggi che sarebbero diventati il fulcro del suo Cinematic Universe. La risalita della china, dopo anni di oblio, di Captain America, Iron Man e soci inizia proprio con Heroes Reborn.
I motivi per ripensare con affetto alla Rinascita realizzata da Lee & Liefeld ci sono tutti, come quando ricordiamo le ore spese a guardare videoclip su Mtv in un'epoca in cui eravamo tutti un po’ tamarri, ma sicuramente più felici.