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Tra la fine degli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80 la nascita e l’affermazione negli Stati Uniti del “direct market”, ovvero di una distribuzione esclusiva dei comics in negozi specializzati che bypassano il circuito di edicola, supermercati e stazioni di rifornimento, limitando il rischio di rese, favorisce il decollo di una editoria indipendente. Questi anni segnano infatti la nascita di piccole ma agguerrite case editrici che si affiancano ai due colossi del settore, Marvel e DC. Etichette che non riusciranno ancora a sfidare e a battere le due major su loro stesso campo come farà la Image Comics nel decennio successivo, ma che le faranno da apripista e lasceranno comunque il segno nella storia del fumetto americano. Impossibile non ricordare tra queste, nel decennio compreso tra i primi anni ’80 e i primi ’90, le esperienze della Continuity Comics fondata da Neal Adams, della First Comics che pubblicò una serie di grande impatto come American Flagg! di Howard Chaykin, della Eclipse Comics che portò negli Stati Uniti il capolavoro Miracleman di Alan Moore e la Comico. Quest’ultima legò al suo nome ad un personaggio che sarebbe diventato di culto, un simbolo dell’editoria indipendente dei comics a stelle e strisce: Grendel, scritto e disegnato da Matt Wagner. Una saga a fumetti incredibilmente longeva e pionieristica per concepimento e sviluppo, partorita da un autore che, al momento della prima apparizione del personaggio, ha solo 21 anni.

Nel 1982, sulle pagine del secondo numero di Comico Primer, effimera testata antologica che presenta i personaggi della giovane casa editrice, fa la sua prima apparizione questo misterioso personaggio che, per caratterizzazione e ambiente nel quale si muove, sembra uscito da una storia pulp d’epoca. Siamo negli anni chiave del rinnovamento del fumetto statunitense, grazie all’eco di quanto viene fatto in Gran Bretagna da un giovane autore inglese di nome Alan Moore che presto arriverà negli States, e grazie a soprattutto al lavoro di un altrettanto giovane Frank Miller sulle pagine di Daredevil, da lui trasformato da collana sull’orlo della chiusura a irrinunciabile capolavoro dove il fumetto di supereroi si fonde col noir e l’hard-boiled contaminato, per la prima volta in un fumetto mainstream, con influenze derivate dalla cultura orientale e giapponese in particolare. Un’influenza, quella di Miller, che non può lasciare indifferenti i giovani autori che in quegli anni tentano l’ingresso nel mondo del fumetto e Matt Wagner è indubbiamente tra questi. In quattro episodi che formano un unico lungo racconto in prosa, narrato attraverso didascalie incastonate in tavole reminiscenti dell’art déco, e vignette connesse tra loro come le vetrate di una chiesa, Wagner racconta dall’inizio alla fine la storia di Hunter Rose, giovane scrittore milionario che ha dedicato la giovinezza ad affinare le sue doti fisiche e intellettuali ma non per diventare il classico giustiziere, ma un efferato e mascherato signore del crimine. Non un antieroe alla Punisher, ma uno dei più spietati villain mai apparsi in un albo a fumetti. Considerate le risorse sulle quali può contare e la schiera di collaboratori dei si circonda, oltre all’evidente influenza pulp, stiamo parlando di uno Shadow votato al Male. Un genio dotato dell’intelligenza di Fu Manchu, dell’agilità di Batman e della spietatezza di un assassino, che esercita grazie ad un bastone dotato di lama con la quale giustizia le sue vittime.

Grendel è la realizzazione della volontà di potenza, del desiderio assoluto che si traduce in dominio fisico e intellettuale sugli altri uomini. Un’indagine sulla violenza innata nel profondo dell’essere umano, ma che non è fine a se stessa, bensì votata al potere e al controllo degli altri esseri umani. Una fantasia tipica della giovinezza, che un autore allora ventenne traduce in una storia di circa quaranta pagine raccontata in prosa attraverso un uso letterario delle didascalie, con tavole organizzate in una originale tricromia bianco, rosso e nero, attraversate dalle influenze di cui sopra, in cui viene raccontata la parabola completa di Hunter Rose, dall’ascesa al declino. Una storia iniziata e chiusa da Wagner, che non immaginava allora che la sua creazione avrebbe avuto un futuro ben più lungo di quelle prime quaranta pagine. Dopo la prima apparizione in Comico Primer, infatti, Grendel si vede dedicata una testata personale che però, per problemi finanziari dell’editore, non va oltre i primi tre numeri. La storia di Grendel prosegue sotto forma di appendice alla serie di un’altra creazione di Wagner, Mage. La Comico nel 1986 raccoglierà poi tutto questo materiale in un volume unico, intitolato Devil by the Deed, in italiano Il Diavolo nelle Azioni. Un storia narrata attraverso soluzioni grafiche sperimentali e assolutamente innovative per l’epoca, come dicevamo sopra. Vignette incastonate tra loro come le vetrate che nelle chiese raccontano episodi delle scritture. Qui invece viene raccontata, dall’inizio alla fine, la storia di Hunter Rose, attraverso il racconto che la figlia adottiva Stacy Palumbo ne fa nel suo diario. Stacy e il diario costituiranno un elemento fondamentale della saga di Grendel, ma Wagner a sorpresa sostituisce Hunter con un nuovo Grendel, una donna di nome Christine Spar di cui non riveliamo altro, trasformando il suo personaggio in un “brand” che vedrà varie incarnazioni attraverso i secoli. Ne parleremo nelle prossime occasioni: qui ci concentreremo sulla figura di Hunter Rose, a cui è dedicato il primo di una serie di omnibus dedicati alla creatura di Matt Wagner pubblicati da Panini Comics.

L’omnibus contiene tutto il materiale dedicato al primo Grendel di cui Wagner, dopo aver raccontato le storie dei Grendel successivi, riprese a raccontare le vicende nel 2007 con la mini Grendel: Behold the Devil, una storia da lui scritta e disegnata che narra un episodio fondamentale e mai raccontato della vita di Rose. In mezzo però, ci sono il passaggio alla Dark Horse Comics, dopo il fallimento della Comico, e due miniserie antologiche di notevolissimo spessore artistico, Grendel: Black, White & Red del 1998 e Red, White & Black del 2005, scritte dallo stesso Wagner e disegnate dal gotha degli artisti del fumetto Usa attivi tra il 1990 e la prima metà degli anni 2000.
In queste due miniserie l’autore riprende e arricchisce di particolari e dettagli la storia raccontata ne Il Diavolo nelle Azioni, dimostrando che quest’ultima, per quanto rimarchevole, era soltanto il canovaccio di una trama più complessa che aspettava l’occasione di essere sviluppata in forma compiuta e conclusa. Wagner ritorna sul “luogo del delitto”, ampliando la sua idea originale con un meccanismo narrativo di scatole cinesi intrigante e davvero ambizioso. In una serie lunghissima di storie brevi, seguiamo l’ascesa al potere di Hunter Rose e le manovre per prendere il controllo della malavita di New York, insediandosi nei gangli politici e amministrativi della città tramite la violenza, la corruzione e il ricatto. Il rapporto con la figlia adottiva Stacy, la rivalità con il lupo mannaro Argent, essere dalle fattezze mostruose ma votato al bene unico rivale all’altezza di Grendel, anche per l’affetto di Stacy. Tutto viene raccontato in queste pagine, contraddistinte dall’inevitabile tricromia rosso, bianco e nero, marchio di fabbrica di tutta la saga. I disegnatori coinvolti? Come dicevamo, una lista di mostri sacri da far girare la testa. Si comincia con l’indimenticabile Tim Sale, per proseguire poi con Mike Allred, David Mack, Guy Davis, Duncan Fegredo, Paul Chadwick, i compianti John Paul Leon e Jason Pearson, Chris Sprouse, Jill Thompson, Darick Robertson, Michael Zulli, Ashley Wood, Jim Mahfood, Kelley Jones, Phil Hester, Michael Avon Oeming, Stan Sakai, Phil Noto, Dan Brereton… e tanti altri in una lista di eccellenze impossibile da elencare nella sua totalità.

In Behold the Devil, Ecco il Diavolo, la miniserie del 2007 che chiude il volume, un Wagner maturo abbandona gli sperimentalismi degli inizi e lo stile ispirato ai fumetti “neri” europei e ai manga che proprio nei primi anni ’80 cominciavano a circolare negli States. Venticinque anni dopo Wagner ha ormai maturato un tratto pienamente inserito nello standard del fumetto statunitense del periodo che, pur senza rinunciare alla ormai canonica tricromia rosso – bianco – nero, si scatena con l’uso di spettacolari splash-page. In questa storia si mettono in moto gli eventi che porteranno alla caduta di Hunter Rose: con una sorta di “effetto flashback”, Wagner torna a quanto narrato tanti anni prima ne Il Diavolo nelle Azioni, ampliandolo e arricchendolo. Un racconto di forma circolare e non lineare, davvero ambizioso e riuscito, che rende la saga di Grendel un classico irrinunciabile del fumetto indipendente a stelle e strisce che merita di essere riscoperto grazie a questi splendidi volumi pubblicati da Panini Comics.

Il 1992 è un anno spartiacque per la storia del fumetto americano. La nascita della Image Comics è l’evento che cambia per sempre i rapporti di forza tra editori e autori, che acquisiscono un potere mai avuto prima. Quando si parla di Image Comics la mente va a subito agli esponenti allora più in voga di quel roster pazzesco di artisti che si unirono per fronteggiare le eterne “Big Two” del fumetto a stelle e strisce: Jim Lee, Rob Liefeld e Todd McFarlane, le superstar assolute di quel momento storico. In seconda battuta, però, non si può ignorare il contributo che venne portato alla causa della Image da un altro artista, un solido professionista che poteva vantare più anni di carriera rispetto ai suoi più giovani soci: Marc Silvestri.

Silvestri comincia la sua carriera giovanissimo, realizzando nei primi anni ‘80 disegni per collane secondarie Marvel come Shang-Chi, Master of Kung-Fu e King Conan. A metà del decennio, disegna alcuni albi di Web of Spider-Man e il graphic novel Revenge of the Living Monolith, che lo fanno notare al grande pubblico. Ma la grande occasione della sua carriera arriva nel 1987, quando a Silvestri viene assegnato l’incarico all’epoca più prestigioso ed ambito dell’intero settore: le matite di Uncanny X-Men, la collana Marvel più venduta di tutti i tempi. Per tre anni, in coppia con un Chris Claremont al top della forma, Silvestri accompagna gli uomini X attraverso grandi cambiamenti, sia di atmosfere che di formazione: celebri saghe come The Fall of the Mutants e Inferno cementano la reputazione dell’artista come penciler moderno e dinamico, deliziando i lettori con l’abilità con la quale disegna in particolare le ragazze del gruppo. Tempesta, Rogue e le new entry Psylocke e Dazzler guadagnano in sensualità grazie alle matite di un Silvestri che sembra ispirarsi alle seducenti donne di Milo Manara. L’impatto epocale dello stile muscolare di Jim Lee sulla scena fumettistica statunitense alla fine degli anni ‘80 determina, in poco tempo, la nascita di una pletora di imitatori non altrettanto dotati. Anche un professionista affermato come Silvestri non può fare a meno di assistere alla rapida ascesa dell’artista coreano e di esserne influenzato. L’ammirazione per il collega è evidente soprattutto nella seconda fase del successivo incarico di Silvestri, il ciclo di Wolverine realizzato su testi di Larry Hama. I corpi da lui ritratti diventano sempre più muscolosi, le donne di una avvenenza fisica sempre più prorompente, le tavole sono attraversate da azione sempre più esplosiva. Quando Lee, McFarlane e Liefeld cominceranno a pensare ad un “casting” di eventuali soci per l’avventura della Image Comics, quella di Silvestri è una scelta tanto naturale quanto scontata.

Nei primi anni ’90 i personaggi più popolari dell’industria sono i mutanti di casa Marvel: gli X-Men e le loro collane ancillari sono salde ai primi posti delle classifiche di vendita, esercitando un forte ascendente sulle altre testate della Casa delle Idee e non solo. È inevitabile quindi che anche le prime testate della neonata Image siano fortemente influenzate dal predominio dei mutanti sull’intero settore. Esclusi infatti i “solisti” Spawn di Todd McFarlane e Savage Dragon di Erik Larsen, sia gli Youngblood di Rob Liefeld che i Wildc.a.t.s. di Jim Lee presentano non pochi punti di contatto con gli X-Men della Marvel. Ma se c’è una collana Image dove questa influenza è assolutamente evidente, questa è proprio la Cyberforce di Marc Silvestri.

La miniserie di lancio datata 1992 dedicata al gruppo di eroi cibernetici, che apre il voluminoso omnibus pubblicato da Panini Comics, è indicativa di quanto all’epoca Silvestri, coadiuvato dal fratello Eric ai testi, fosse ancora immerso nelle atmosfere tipiche delle avventure dei Mutanti Marvel. I componenti della squadra vengono addirittura presentati come mutanti, termine del quale la Marvel non detiene il copyright, braccati dagli emissari della malvagia corporazione Cyberdata che li vuole catturare e trasformare in agenti al proprio servizio tramite l’innesto di componenti cibernetici.

Con questa prima miniserie Silvestri tastò l’indice di gradimento dei suoi personaggi presso il pubblico, e pur presentando alcune delle tavole più esplosive della carriera dell’artista, la trama è appena abbozzata e la caratterizzazione dei personaggi è solamente accennata. Veniamo catapultati fin dall’inizio in pagine scoppiettanti di azione, che ci danno appena il tempo di capire che c’è una guerra in atto tra due fazioni, la malvagia Cyberdata con i suoi agenti potenziati e la Cyberforce, gruppo di eroi trasformati in cyborg proprio dalla Cyberdata a cui poi si sono ribellati per contrastarne i piani di dominazione planetaria.

I membri del gruppo sembrano modellati sugli stereotipi fumettistici più in voga ai tempi, che sono stati precisati in modo puntuale da Grant Morrison nel suo saggio Supergods. In un team di supereroi degli anni ’90, ci dice lo sceneggiatore scozzese, deve esserci sempre un leader sul campo, l’intrepido capo che dirige la squadra senza sbagliare nulla; il killer artigliato e tormentato il cui passato è avvolto nel mistero; l’indispensabile forzuto; la bad girl, elemento imprescindibile del periodo; la rookie, la giovane inesperta capitata nel gruppo per caso e che funge da punto di vista per il lettore. Se non ci credete, provate a mettere a confronto la Cyberforce con gli X-Men e a sovrapporre Heatwave a Ciclope, Ripclaw a Wolverine, Impact a Colosso, Cyblade a Psylocke, Velocity a Jubilee o a Kitty Pryde. O Striker a Cable, eroi tamarri armati da capo a piedi, figli della nota ossessione per le armi made in U.S.A. sublimata, all’epoca, nei film action di Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger e dei loro emuli.

Altra grande influenza fu il movimento cyberpunk, esploso nella cultura popolare a partire dagli anni ’80 grazie a romanzi come Neuromante di William Gibson, che aveva poi esercitato la sua influenza in ambito cinematografico con film che hanno anticipato i tempi a venire come Il tagliaerbe (datato proprio 1992) e manga come Ghost in the Shell. Di queste influenze, però, Silvestri prende solo la superficie, contaminandola con i sopracitati action americani alla Terminator. Da notare che il secondo capitolo della saga del cyborg assassino venuto dal futuro ideata da James Cameron è il più grande successo cinematografico del 1991, anno in cui Silvestri sta ideando la sua Cyberforce.

La miniserie di lancio è un grande successo ma l’artista si rende ben conto dei suoi limiti come sceneggiatore, a cui non può certo sopperire il fratello. Per questo, quando si tratta di lanciare la serie regolare, si rivolge a scrittori ben più consolidati come Chris Claremont, il demiurgo indiscusso degli X-Men, che ne firma alcuni numeri. Un'altra mossa di marketing azzeccata è far coincidere la partenza della collana con un crossover con i Wildc.a.t.s. del socio Jim Lee, che rivela il passato comune di alcuni membri dei due team e pone le basi per le trame successive, incentrate sulla lotta tra la Cyberforce e la Cyberdata guidata dal malvagio Emil Zadrok. Le storie della “Forza Cyber” cominciano qui a farsi più interessanti, con importanti rivelazioni portate alla luce, approfondimento dei personaggi, colpi di scena con cliché dal sapore claremontiano come il controllo mentale e il conseguente “salto della barricata” di alcuni protagonisti.

Altre chicche contenute nel volume sono l’interessante Cyberforce #0, disegnato da Walter Simonson, leggenda del fumetto americano le cui tavole spettacolari avevano esercitato una forte influenza sui ragazzi terribili della Image, e il numero 8, disegnato in via straordinaria da Todd McFarlane, nell’ambito di un'iniziativa speciale in cui, per un mese soltanto, i soci fondatori della Image si erano scambiati le loro collane. Il volume testimonia anche il debutto di giovani allievi dello studio di Silvestri che diventeranno grandi star del tavolo da disegno, come David Finch e il compianto Michael Turner.

Se dal punto di vista della scrittura le storie contenute nell’omnibus denunciano gli evidenti limiti degli albi Image degli albori, nulla da dire sul comparto grafico: quando si tratta di realizzare tavole spettacolari, Marc Silvestri è secondo dietro solo al collega e amico Jim Lee. Splash-page  strabordanti che si dispiegano su due ante, eroi dalla bellezza scolpita e impossibile, eroine dal fisico mozzafiato (e stereotipato, direbbe qualcuno oggi), pagine straripanti di azione. Basta sfogliare questo strepitoso tomo per essere storditi dall’adrenalina che ne fuoriesce, dalla costruzione della tavola votata alla grandiosità, all’avvenenza dei protagonisti, elementi ancora più evidenti nei capitoli dedicati al crossover con i personaggi di Jim Lee, che scodella qui alcune delle pagine più iconiche della sua straordinaria carriera (come la famosa splash-page pieghevole a 4 ante di Wildc.a.t.s. #5). Una visione del fumetto che, seppur contestata a posteriori, ha fatto scuola ed esercita ancora oggi la sua innegabile influenza sul fumetto americano.
Panini Comics propone The Complete Cyberforce Vol. 1 in un prezioso omnibus ad alta foliazione dal costo importante, ma imprescindibile per comprendere appieno una stagione dei comics che, nel bene e nel male, ha fatto epoca.

La nascita di ARFestival, nel 2015, rispondeva alla necessità di creare un vero Festival del Fumetto a Roma, incentrato sull’incontro tra autori, editori e lettori. Un evento dove il fumetto è il protagonista puro, assoluto, e non rischia di essere sommerso da altri elementi di contorno come cosplay e gadget che, seppur allegri e colorati, negli ultimi anni hanno modificato il dna di molte fiere di settore, spostando l’interesse degli avventori verso lidi più ancillari rispetto al fumetto stesso.
In pochi anni ARF si è imposta non solo come la prima manifestazione con protagonista il fumetto a Roma, ma come una delle proposte culturali più vivaci della Capitale.

Nelle edizioni precedenti alla pandemia di Covid-19, l’offerta proposta dal Festival ai suoi visitatori è stata varia e di qualità eccellente, con alcuni picchi clamorosi (ricordiamo con piacere la mostra dedicata a Milo Manara con annessa lectio magistralis nel 2017, o la mostra delle tavole originali di Frank Quitely nel 2019).
Un altro elemento determinante per il successo di ARF, a nostro avviso, è la location vincente. Mentre Romics, la tradizionale mostra mercato del fumetto della Capitale di svolge ormai da molti anni presso la Nuova Fiera di Roma, in prossimità dell’Aeroporto di Fiumicino e ben lontana dal centro della città, ARF vive la sua ricca tre giorni all’interno del Mattatoio di Testaccio. Uno spazio storico restituito alla cittadinanza come polo culturale, situato in uno dei quartieri più caratteristici di Roma. Luogo di movida, di trattorie tipiche, cuore pulsante della città sicuramente più consono ad ospitare un evento culturale di ottimo livello come questo.

Dopo la timida ripartenza dello scorso anno, abbiamo constatato con felicità che con questa edizione 2023 ARF è tornato ai livelli di eccellenza pre-pandemia. Merito di una proposta ricca, articolata in particolare su quattro attrazioni:

- Le Mostre, uno spazio espositivo ricco di tavole originali, che quest’anno vedeva protagonisti Pepe Larraz, Werther Dell’Edera, Lorenzo Mattotti e il simpatico Lillo, il noto comico, accompagnato da “amici” celebri come Giancarlo Caracuzzo, Franco Saudelli e Gabriele Dell’Otto;

- Lo “Spazio Talk”, una sala che ha ospitato interessanti panel. Il primo tra questi, davvero brillante, ha avuto per protagonisti proprio Lillo e Greg, che hanno raccontato del loro tentativo giovanile di sfondare nel mondo del fumetto, accompagnati durante il talk dalla verve stralunata di Valerio Lundini;

- Il Bookshow, un ampio spazio dedicato ad alcuni tra gli editori più prestigiosi del settore e al firmacopie dei loro autori;

- L’ “Arfist Alley”, il punto di incontro tra gli appassionati e una galleria di artisti davvero impressionante. Tra gli altri, star della matita come Pepe Larraz, Werther Dell’Edera, Sara Pichelli, Otto Schmidt, Alessandro Cappuccio e una lunga lista di penciler affermati tra cui citiamo Paolo Villanelli, Eleonora Carlini, Elisabetta D’Amico, Francesco Tomaselli, Francesco Manna, French Carlomagno, Erica D’Urso, Rita Petruccioli, Jacopo Camagni e Nicoletta Baldari, che ha firmato la locandina ufficiale di Arf 2023.

I riflettori si spengono su questo ARF 2023 ma già non vediamo l’ora di tornare a Testaccio per l’edizione del 2024.

Mark Millar è uno sceneggiatore di fumetti che della legittimazione del fumetto tra la cultura alta, ossessione di molti dei suoi colleghi, se ne frega allegramente. Della natura popolare della cosiddetta Nona Arte Millar riesce a cogliere il lato punk e anarchico, usandola come veicolo per le sue idee gioiosamente sovversive, tradotte in script sempre scanzonatamente sopra le righe. Una vena trasgressiva che ha caratterizzato fin dagli esordi il lavoro dello sceneggiatore, passando per il periodo dorato in Marvel ricco di hit come Ultimates, Civil War, Old Man Logan e le serie di sua creazione come Kick-Ass e Kingsmen – The Secret Service, tradotte con successo sul grande schermo.

La facilità di concepire soggetti accattivanti che sembrano fatti apposta per una trasposizione sul grande schermo lo porta sul finire degli anni 2000 ad interrompere la collaborazione con le major del fumetto per creare una propria etichetta, la Millarworld, con cui comincia a sfornare miniserie disegnate dai migliori artisti del comicdom, reclutati grazie alla capacità attrattiva delle sceneggiature di Millar. Nel 2017 arriva un colpo di scena che in realtà è perfettamente coerente con la direzione che Millar ha dato alla sua carriera nell’ultimo decennio: la cessione di Millarworld al colosso dello streaming Netflix, attratto dalla possibilità di poter disporre di un bel pacchetto di storie firmate da uno dei migliori scrittori di comics e pronte ad essere tradotte in immagini. A dire la verità la prima serie tv targata Millarworld/Netflix, Jupiter’s Legacy, non è stata esattamente un successo, né di pubblico quantomeno di critica. Ciò nonostante, Millar continua a sfornare miniserie a raffica. La maggior parte delle opere post-accordo con Netflix scritte da Millar negli ultimi anni, nonostante la confezione scintillante e il coinvolgimento dei migliori disegnatori su piazza, non sembrano altro che soggetti pronti per l’adattamento cinematografico, privi del peso specifico dei lavori che lo hanno reso famoso. A questo destino si sottrae però King Of Spies, l’ultima fatica di Millar, da poco pubblicata nel nostro paese da Panini Comics Italia. Si tratta di una scatenata spy-story, genere che Millar ha già frequentato con successo con la summenzionata Kingsmen, che va però oltre la serie di “pitch” partoriti a ritmi industriali che hanno caratterizzato le ultime opere.



Se il nostro giudizio sull’opera dovesse basarsi solo sulla trama, tutto sembrerebbe già visto. Il protagonista, Roland King, è una vecchia spia in pensione che ha dedicato l’esistenza al servizio della Corona, un James Bond che in nome del bene superiore ha fomentato rivoluzioni o le ha stoppate sul nascere, ha rovesciato governi, insomma ha eseguito senza mai obiettare tutte le missioni assegnategli dai servizi segreti britannici, sporcandosi le mani di sangue. Il prezzo da pagare è stato quello di trascurare la famiglia e di perdere l’affetto del figlio. Quando gli viene diagnosticato un tumore che gli lascia solo sei mesi di vita, Roland coglie l’occasione per riflettere sulla propria vita: e il bilancio non è esattamente positivo. Guardandosi indietro, la vecchia spia si rende conto che, con le sue azioni non hanno favorito in alcun modo la gente comune, ma soltanto favorito gruppi di potere politici e religiosa, o media corrotti. Roland decide quindi che dedicherà il poco tempo che gli resta per cercare di rimediare il più possibile ai tanti errori commessi nella propria vita. E qui comincia il bello, perché la trama assume i connotati di un “revenge movie” in cui King chiude i conti e inizia a far fuori tutti i gangli di questo potere marcio. La sua furia non risparmierà nessuno: premier, presidenti, papi, nessuno sarà più al sicuro. Finché i servizi segreti non decideranno di fermarlo, lanciando una caccia all’uomo in cui coinvolgeranno anche suo figlio.

La trama di King of Spies non brillerà certo per originalità, ma è il sottotesto anticonformista a dare alla mini una marcia in più che la rende irresistibile. Scagliando la furia di King contro quelli che vengono chiamati i “poteri forti”, Millar interpreta forse furbescamente, ma centrando in pieno il bersaglio, il sentire comune di tanti cittadini che hanno la sensazione di non essere padroni del proprio destino, che viene deciso altrove. Lo sceneggiatore inglese padroneggia al meglio il proprio mestiere, mettendo in scena un plot adrenalinico, avvincente e pieno d’azione, ricco dei suoi tipici dialoghi taglienti e di scene a sensazione che galvanizzeranno il lettore. Ma dietro all’azione esplosiva si nascondono anche riflessioni importanti sulle conseguenze delle nostre azioni e sull’eredità che lasciamo a chi viene dopo di noi.

Fondamentale per la riuscita di King of Spies è l’apporto dei disegni di Matteo Scalera, in una delle prove migliori della sua carriera. Notevolissimo il lavoro di design dei personaggi (a partire dal protagonista Roland King, ritratto come un invecchiato ma sempre affascinante Pierce Brosnan) e lo storytelling adrenalinico che lascia davvero senza fiato. Il montaggio delle scene d'azione è magistrale, con l'uso di vignette che tagliano la pagina orizzontalmente come uno schermo cinematografico. La scelta delle inquadrature è audace e contribuisce a trasmettere al lettore l'effetto cinetico dell'azione raffigurata. Scalera fa ampio uso di una inchiostrazione molto spessa e carica di nero sulla quale si innesta la palette di colori soffusi di Giovanna Niro, un connubio felice che determina un risultato finale di grande effetto.
King of Spies è un’opera che fa quello che un fumetto dovrebbe fare, divertire e intrattenere, e lo fa ad altissimi livelli.